皆様のご理解ご協力、そしてご支援のお陰で一般社団法人 日本空間デザイナー支援機構(SSOJ)も無事設立2年を迎えることが出来ました。
感謝の気持ちでいっぱいでございます。
微力ではございますが日本の空間デザイン業界の活性化のお役に立てればと思っております。
皆様にとって、 2026年が素敵な1年になりますように心よりお祈りいたしております。
来年も引き続き宜しくお願い致します。
一般社団法人 日本空間デザイナー支援機構(SSOJ)
代表理事　永 井 資 久
Thank you very much for your continued support throughout this year.
Thanks to your kind understanding, cooperation, and generous support, the S patial designers Support Organization of Japan (SSOJ) has successfully reached its second year since establishment. We are truly filled with gratitude.
Although our efforts may be modest, we sincerely hope to contribute to the revitalization and growth of Japan’s spatial design industry.
We wholeheartedly wish that the year 2026 will be a wonderful and fulfilling one for all of you. We greatly appreciate your continued support and cooperation in the coming year.
Sincerely,
Spatial designers Support Organization of Japan (SSOJ)
Representative Director
Tomohisa Nagai
https://divnil.com/.../item/mount-fuji--16-2048x2048_0cca

我其實是在天空設計大獎的歷屆作品中多次接觸到青木耕治的，而他給人的印象總是帶着一種輕盈而穩定的節奏感。他的談吐自然幽默，但在設計上卻展現出極高的準確度。從概念與動線到家具與光線的配置，他的思考清晰、有序並帶着方向性。這份看似自在的態度，其實是長期經驗累積出的判斷力，也是他創作上最鮮明的特質之一。

在 Manifesto 的拍攝現場，他談及自己兒時反覆翻閱《世界建築家581人》。那本書成為他最早的視覺啟蒙，也讓他第一次意識到空間、比例與結構可以被重新組合並以無限方式想像。多年後再聽他提起這段經驗，你會感受到這份好奇心並沒有在成長中被磨蝕，而是成為他理解世界的基礎，也成為他創作方式的來源。青木的創作橫跨建築、室內、工作場域、酒店到社區空間。他的設計語彙並非由單一形態主導，而是由結構、比例、材料與行為關係共同形成。他擅長將動線、尺度、家具配置與光線整合成一套有節奏的系統，使空間能夠支援不同的活動方式並具有調整的彈性。

在眾多作品裡，我對 FUJIFILM Creative Village／CLAY Studio 印象最深。這個空間以創作行為為核心。結構明確，機能完整，材料與家具的選擇也展現出高度連貫性，使使用者能在同一場域中自由切換專注、交流與流動。它的吸引力來自空間元素之間的協調，而不是依賴單一視覺效果。這個項目充分反映了他的設計立場 空間是一個可以支援行為與思考的框架。青木耕治的作品之所以令人記住，是因為它們以清晰的邏輯建立場域的方向感，並同時保留使用者的自由度。他的設計語言成熟穩定而開放，使人能在空間中自然找到自己的節奏，並從中發現新的使用方式。還有就是就是他常常都在笑。就是一種。Don’t Worry, Be Happy! 他的創作方式直接而務實，也正是他在 Manifesto 中呈現的 This is Me。

Manifesto : Koji Aoki
Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Manifesto curator and editor: Peggy
Project Assistant: Weixuan Chen

貴重なお時間を頂きありがとうございました。今後とも宜しくお願い致します。
Karimoku Commons Tokyo
https://commons.karimoku.com/

麻布十番　一織
赤坂の名店で修行した若き店主の名前からインスピレーションを受けてデザイン構築した和食店です。「一織」は店主の名前の一文字を引用したものではありますが、「素材を織りなす」「食を織りなす」「人を織りなす」の意味を持ちます。表現方法として「一（いち）」を意味する「単一素材（ワンマテリアル）」「単色表現（ローコントラスト）」を。「織る」を意味する「織物を使って表現」「手仕事を使って表現」を意識しました。左官の手仕事は京都の数寄屋建築専門の技術者の元で修行を重ねた千壱屋さんに委ね、陶器のお皿の様な表情を作ってもらいました。また、カウンターや建具には、日本各地の樹木や倒木、間伐材、端材などを繊維に紡ぎ、生地として再生させて木で紡いでいる「縁樹の糸」を使用。カウンターに貼り込んでウレタンコーティングしたり、間接照明を裏に仕込んだりと唯一無二のテクスチャーで製作を試みました。天井高さの制約のある中、配管のためにR形状にした客席壁面には器を大切に扱う「金継ぎ」の模様で表現。これは店主が生まれ育った江戸川の線を形どり、会話の種を忍ばせてみました。左官で表現した入口のサインの丸は陶器のお皿のイメージで、また個室の壁面の丸は、店主が蕎麦打ちをした時の「打ち粉」の写真にインスピレーションをいただいてデザインしたものです。
Interior designer /direction：MIKI orihara
Interior designer : KAZUTAKA matsuyama
Lighting designer : Y2 Lighting design YUKO yamashita
Construction : ART CREATIVE STUDIO
Photographer : © Nacása & Partners Inc. FUTA Moriishi

Beyond a photo exhibition, The Manifesto celebrates individuality. In the world of design, ideas and styles can be copied, but personality and character cannot be replaced. Hence, in the photo section we have 2 different pictures to show their different personalities we might not know.
Each creator's essence, including their perspective, values, and life journey, is unique and irreplaceable.
It is this individuality that shapes truly original work. The Manifesto celebrates not just what creators make, but who they are and how their personal stories influence their creative journey.
In this project and exhibition, we have 6 chapters. This chapter is about wisdom. True wisdom emerges quietly and reveals the deeper structures that guide our perceptions, decisions, and creative actions. “Eichi” represents this cultivated clarity, the ability to eliminate distractions, understand proportion intuitively, and recognize the essence of a space before any mark is made.
The Naoki Iijima Chapter
His influence was subtle yet profound, providing stability and bold statements in his design and creations.
Curator’s notes:
While working together in the same office, Iijima-san introduced me to Japanese design. I clearly remember the day he explained Mono-ha, the art movement that explores the relationship between materials and space. Through his gentle guidance, I learned that he saw design as a way to allow materials, light, and people to interact in meaningful ways. True minimalism, as he taught me, is not about removing as much as possible, but about focusing on what truly matters.
Please stay tuned for the online exhibition on merci magazine website by the end of next week
Manifesto Naoki Iijima
Photographer Jimmy Ming Shum
Project curator ：myself
#manifesto #creators #designers #architect #design #bebold #bebrave #beyourself #exhibition #editorial #magazine #curation #mercimagazine #japan #mercimagazine

我已記不起最初是如何認識落合先生，只記得我們在幾次場合中短暫相遇。真正令我開始關注他的，是他作品背後那種跨越藝術、科學與建築邏輯的感知方式。他以藝術家的敏銳去捕捉世界的細節，以科學家的眼睛拆解自然現象，再以建築語言將這些觀察重新組構為具視覺能量的空間。他的作品自由、鮮明、富有節奏，像是自然界運動的抽象化形態。
拍攝當日，這種特質變得格外清晰。

在正式開始前，我問他喜歡什麼音樂，他回答：「Classical music」。於是現場播放了古典旋律。攝影師Jimmy請他合上眼，想像自己創作時腦海中的畫面。他閉上眼的瞬間，空間彷彿靜止；他真正進入創作狀態的方式。那一刻我感覺到，他的作品之所以帶有如此強烈的視覺語言，是因為它們源於他內在那個能自由擴張的「宇宙畫面」。
拍攝後我們進行了一次塔羅占卜。是的、這似我的角色是塔羅師傅。牌面信息恰好觸及他當時在工作與生活中正面臨的某些實際情況，他只是淡淡一笑並坦然承認。這份不張揚的誠實與自我覺察，在他的人格與作品中都能找到呼應。他在設計上專注、對材料與光極為敏銳，但為人卻溫和謙虛，是一種外剛內柔的平衡。
他的作品同樣展現出這種細膩而堅定的特質。以 Waterscape Office 為例，他以和服技法處理鋁板，使天花呈現如水紋般的流動。這不是模仿自然，而是對自然「如何運動」的理解。 波紋、風向、山勢、光線的折返……這些他長期觀察的現象，被他吸收並轉化為一種新的空間語言。正因如此，他的作品總能讓人感受到一種既大膽又克制、既自由又精準的張力。

也許正是這種結合—敏銳的觀察、自由的想像、對材料的深度理解，以及在視覺表現上毫不迴避的勇氣, 讓他的作品自然與 The Manifesto 的精神相呼應。他以自己的方式探索世界，並以最真實的語言呈現自己。
Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Manifesto curator and written by: Peggy
Project Assistant: Weixuan Chen

認識笠原英里子已經接近十年。最初在 JCD 的聚會上，每一次與她相遇，她都穿著白色。那份白不僅是風格上的選擇，更像是一種從內在自然延伸的氣質，潔淨、平和，也帶著一種細膩而堅定的力量。她的談吐溫柔，節奏沉穩，使人不由自主地放慢步調去感受她所散發的安靜。白色在她身上並不是空白，而是一種性格的延伸，也是一種生活與創作的方式。

與她變得真正熟悉，是在一次我到她公司開會之後。她把一盞親手設計的小燈 「Lumi Baby」 輕輕放到我手上。那是一個小巧的人形，散發著柔和的光，內斂而溫暖。每一次我在家中亮起它，都會想起她對人一貫的真誠與細膩。這份自然的善意，不需要任何言語修飾，也從不因場合而改變。能以這樣的心意面對生活與工作的人，其實同樣以這樣的方式在創作裡留下了自己的痕跡。

隨著時間過去，我開始更深入地理解她的設計語言。笠原英里子擅長運用光線、流動的結構與精密的比例，塑造出屬於她的白色世界。她的作品看似輕盈，背後卻蘊含高度的技術掌握。光在她的空間中被細緻地雕塑，曲線與結構以敏銳的感受被組織成節奏。走進她的教堂作品時，首先感受到的是一股沉靜而有層次的氛圍。光在空間裡柔和散開，線條悄悄引導視線，使人自然地放慢腳步。那是一種不必言說便能感受到的安定，使人靜靜地與空間對話。
她以白色與光構築出屬於自己的宇宙，把女性的敏銳與決心推向最純淨、最徹底的境界，而這份獨特的創作方式正是 Manifesto 想呈現的核心。在她的創作中，我看見一種罕見而細膩的女性力量。透過精準與感性共同建構的堅定。她以細膩掌握技術，以柔和形塑秩序，以白色開拓出一個無瑕而深刻的世界。白色在她的手中從不是空白，而是一種被淬煉的存在。她讓人明白，純淨可以成為語言，細節可以成為力量，而女性可以以最透徹、最純粹、最無瑕的方式，建構自己獨有的空間宇宙。
還有今天早上收到你給我的訊息也是很大的鼓勵。謝謝。
Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Makeup artist @jillryo
Manifesto Curator and Editor: @peggycreative
Project assistant: Weixuan Chen

我與Yoshiyuki Morii第一次相識，是在 Ito-san 的公司派對。那天前輩們一個接一個對我說：「你一定要認識 Morii-san。」名字未對上臉，氣場已先佔據空間。當他出現時，那份緩慢、甚至乎稱得上慢條斯理與很慵懶的步伐，又帶笑的沉靜眼神，像是什麼都不急於宣示，卻自然吸引目光。那是我對他的第一印象，一個看似輕鬆、卻極具內在秩序的人。
森井良幸總愛捉弄我，甚至會突然哼起 Peggy Sue。他表面慵懶、似是漫不經心，但說起話來速度飛快，像腦中同時運行著好幾條節奏。我經常要追住他的語句，忍不住問：「等一下，你剛才說什麼、你說話的速度太快了、我聽不懂…」而他又會用那種略帶淘氣的笑意看着我。這份矛盾—語速快、生活慢—正是他獨有的魅力：自由、不造作、忠於自己的節奏。
有一次在上海出差，塞在車陣中，他突然請司機播放他選的音樂，不用耳機，而是整車一起聽。那個輕鬆又突如其來的瞬間，正是他的縮影，他享受生活，也讓生活流入創作；他的敏銳與質感，來自於他對日常細節的真切投入。原來，他的原創力不是風格上的造作，而是生命本身的自然流動。 也正因如此，他成為我選入《The Manifesto》的其中一位。他的「This is Me」是一種速度飛快但又好像非常享受生活的生活方式：敢於慢、敢於靜、敢於與自己的內在節奏同行。在這個講求速度與曝光的年代，他選擇深度與誠實。這份稀有的堅持，本身就是「Be Brave. Be Bold」最純粹的樣貌——他從不說出口，但一直如此生活。
森井的作品與他本人的氣質形成耐人尋味的反差。若只看他那種慢條斯理、慵懶自在的步調，很難想像他的作品竟能迸發出如此澎湃、精準而細膩的力量。只有真正走進他的空間，才會明白看似輕描淡寫的外表之下，藏著極度敏銳的感知與深度控制力。
他的空間語言從不只於光影，而是在結構與材料上展開大膽的實驗：Audio-Technica 的立體聲牆、Raise 中幾何與光體系統的交錯、又或如教堂般垂直延伸的空間序列、到像粗獷主義建築，但室內設計又保留著現代藝術品味的創意，每一個作品都以節奏建構美感，以結構推動感受。他不是單純在設計場所，而是在建造一個「可以讓人感受」的世界，一種超越形式的空間哲學。
無論是輕聲開玩笑、或突然用飛快的語速說起故事，抑或只是以真誠的眼神靜靜聆聽，森井良幸身上都帶著一種讓人自然親近的溫度與能量。他以最純粹的方式活著，機智、真誠、並且全然投入於每一個當下。
Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Manifesto curated and written by: Peggy
Manifesto project assistant: Weixuan Chen

第一次見到 Ryutaro-san，他俐落、沉穩，帶着一種帶電般的冷靜氣場，那種氣質讓我想起中田英壽：外表克制，內心卻充滿韌性與專注。2022 年，我前往參觀他設計的項目；在那個空間裡，我第一次感受到他如何以材質與文化把場域構築成一段敘事。

參觀後他邀請我共進午餐，而那天剛好是我的生日，我平日極少慶祝。這段偶然的相遇讓我對他作品之外的「人」產生好奇；當我得知我們同年出生，那份距離感也忽然變得親切。愈認識他，就愈能感受到他內在的對比：外表冷靜，內在卻對節奏、比例與文化極度敏銳。他把「形式」視為語言，用來承載意圖、材料與脈絡，而不是單一的造型選擇。他擅長把歷史、材料與地方性重新整理，再編排成節奏分明的空間語法。無論是酒店、商業空間、零售或文化項目，他的作品都有一種 readability - 像閱讀一首由光影、線條與步伐寫成的樂譜，每個細節都在說話。
他的設計世界由人、技藝與文化共同構成。他在大型設計體系中累積了深厚經驗，也擁有屬於自己的團隊與判斷；Rens Nomura 的成立，使他能在成熟架構的基礎上，以更個人的方式整理文化與空間之間的關係。

他與日本不同地區的工匠與藝術家合作，把若隱若現的文化細節放入當代語境，使空間在日常節奏中自然呈現日本文化的深度與質感。正因為他對文化、形式與節奏的理解如此清晰，我在那時便明白：他是值得被記錄、值得被看見的創作者,這也是我邀請他加入 Manifesto 的原因。2020 年，他創立 Rens Nomura—Refined + Lens，如一面透鏡，把文化與空間的層次聚焦得更細緻。他多年練習拳擊，也熱愛 Jazz；那些看似自由、其實極度講求 timing 與 phrasing 的事物，自然滲入他的作品之中。拳擊的節奏、Jazz 的呼吸感，在他的空間裡被轉化為光影與步伐的韻律。這份沉著、克制，卻帶着精準力量的節奏，就是屬於他的「This is Me」。
Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Manifesto curator and editor: Peggy
Project assistant: Weixuan Chen
Makeup artist @jillryo

我第一次認識松本哲哉，是在 2019 年天空設計大獎。其後我們偶爾見面，而他給我的印象始終一致：爽快、坦率、說話節奏快，但語氣永遠清晰而準確。他不會用很多形容詞去講作品，更多時候只是簡潔地指出「重點在哪裡」。這種直接而明晰的方式，也深深烙印在他的建築語言之中。松本的作品外表柔和、乾淨、簡約，但內裡的能量卻非常鮮明。他的空間語言看似安靜，但其實建立在快速判斷與強烈節奏感之上。

當你看着他極度克制的線條時，很難想像他熱愛重金屬音樂—這種反差，正正揭示了他的創作性格：外在清晰、內在強烈；表面安靜、核心帶動力。他的簡潔並不是風格，而是一種將複雜提煉成純粹的能力。在他的醫療空間中，這種能力表現得特別明顯。以 松原泌尿科診所 為例，他透過牆面、切割線與光線去調整視線，使動線保持秩序之餘，也為患者保留適度的私密性。澀谷眼科診所與姬路第一綜合醫院 則展現另一種美學：沉靜、清晰、具光線層次。他的空間不依賴誇張形態，而是透過比例、節奏與密度去建立一種被信任的感覺。

這種看似無聲的語言，其實是他對“人如何感受空間”最直接的回應。近年來，他的作品亦延伸至韓國、德國、美國等地。真正吸引我的是，他處理不同城市的方法始終保持一致：先拆解問題，理解當地環境與使用方式，再以最清晰的方式回應。並非能以「其應有的樣子」呈現。他的建築語言之所以能跨越文化，是因為它源於思考，而並了是單一以形式本身。

對我而言，松本哲哉的創作帶着一種極其明晰的個性：安靜，但有力量；乾淨。他以自己的方式拆解問題、提煉答案，再把最必要的部分留在空間裡。這種以思考為核心、以判斷建立語言的方式，使他的作品成為一種“個性”而非“風格”。而正正因為這份辨識度，他自然地成為《Manifesto》的一員。以自己獨特的節奏，說出他對空間的理解。

Manifesto Tetsuya Matsumoto
Photographer Jimmy Ming Shum
Project curator and editor: @peggycreative
Project assistant: Weixuan Chen
Makeup Artist: @jillryo
#manifesto #architect #japan #mercimagazine

我第一次接觸河崎隆雄前輩，是透過永井資久先生的引薦。永井先生親口對我說：「如果你想真正理解日本空間的精神，你一定要認識 Kawasaki-san。」 這句話成為一把鑰匙，帶我走進前輩以意識與觀察構成的世界。 一位超越「設計師」定義的空間思考者 河崎隆雄從來不以「設計師」這個單一身份限制自己。 他認為設計並非作者的自我表述，而是協助品牌、創作者與空間自身找到最準確的語言。 在他眼中，設計是一種 意識的轉譯： 把對方的理念、精神與存在，演變成可被空間承載的形態。 因此，他的作品沒有強烈的作者噪音。 它們沉著、安靜、精準，卻擁有非常深的內在張力與力量。

正因為他採用不是主導姿態 ，而是聆聽； 是理解；也是風格，也是意識。他的作品即使跨越數十年仍然成立。 1987–2025：南青山 Comme des Garçons 的持續存在，他在 1987 年 為 Comme des Garçons 設計的南青山店至今仍保持原貌，是日本空間史上極為罕見的例子。 在瞬息萬變的時裝與零售世界裡，能讓一個空間持續近四十年不被替換，並仍然具備力量，是非常罕有的事。 這段歷史讓我明白前輩作品的核心： 他創造的不是風格，而是一個容器，讓品牌的精神能隨時間自由演變。

我們之間的對話從來不止於設計，更關乎意識（Consciousness）與潛意識（Subconsciousness）的探索。他總是能夠從最根本的層面去解讀設計，從空間到人類行為，從哲學到心理學，這些對話不斷啟發我的思考。而最特別的是，我們不僅僅是討論，我們甚至一起實踐瑜，親身體驗意識的狀態。將設計的思考方式延伸至的探索。這不只是知識上的交流，更是一種生活方式的共鳴，一種超越語言的設計對話—對自我與世界的設計。
「無形之形，無聲之聲。」 有些設計被看見，有些設計則存在於我們的對話之中，成為意識的一部分。

Manifesto Photographer: Jimmy Ming Shum
Manifesto curator and editor: Peggy Lui ペギー
Project Assistant: @iken_cwx0103

冬のご挨拶
Season's Greetings from N and A Inc.
みなさま
2025年も年の瀬となり、何かとお忙しくお過ごしのことと存じます。本年も多くのご縁とご支援をいただき、誠にありがとうございました。
以下、ご挨拶方々、私たちの2025年の活動を振り返り、少しご紹介したいと思います。
今年の日本最大のイベント、大阪・関西万博において、N&Aは会場内に5名のアーティストによるパブリックアートを展示しました。この計画にご賛同いただきましたアーティスト、ご支援くださった方々に心より御礼申し上げます。（参加作家：ジュリアン・オピー、国松希根太、奈良祐希、名和晃平、ジュン・T・ライ）
3月には、台湾のアーティスト、ポール・チャンの美術館 Paul Chiang Art Centerが台東に開館するにあたり、開館記念展を私がキュレーションしました。抽象表現の大型絵画が、作家自身が設計した建築に展示され、目の前の太平洋と相まって圧倒される体験となりました。
もう一つ忘れがたいものには、私がゲスト・キュレーターを務め、京都・二条城で開催された「アンゼルム・キーファー：ソラリス」展（主催：京都市、ファーガス・マカフリー、2025年3月31日ー6月22日）があります。日本の伝統的な木造建築に、キーファーの大型作品30点以上が展示され際立った印象を与えることになりました。ホワイトキューブの時代の終焉を感じる経験でした。
「浮世絵現代」（主催：東京国立博物館、NHK、NHKプロモーション、2025年4月22日ー6月15日）では、伝統木版画の表現に魅了された様々なジャンルのアーティスト、デザイナー、クリエーターたちが、現代の絵師となり、アダチ版画研究所の彫師・摺師たちと協働して制作した「現代」の「浮世絵」が紹介されました。私は、当プロジェクトの総合プロデューサー、展覧会ゲスト・キュレーターを務め、伝統工芸を未来に繋ぐという意味合いからも高く評価された展示となりました。
特別館長を務めるアーツ前橋では企画展「ゴースト 見えないものが見えるとき」（2025年9月20日ー12月21日）をキュレーションしました。現代美術のみならず、日本画、漫画、イラストレーション、メディアアートの最先端から、歴史的な絵画まで幅広く渉猟し、見えない亡霊に満ちた現代社会の実相を描き、ご好評いただきました。
秋には富士吉田市で「FUJI TEXTILE WEEK 2025」（主催：山梨県富士吉田市　企画運営：FUJI TEXTILE WEEK 実⾏委員会、2025年11月22日ー12月14日）が開催され、私がアート展のディレクターを務め、丹原健翔氏がキュレーションを手がけました。長い歴史を持つ地元の繊維産業と現代アートが融合した地域芸術祭で、アーティストと協働し地元のレジデンス機能も活かしながら国際的にも輪を広げ、若い作家に独自の制作機会を提供しています。
N&Aが企画・運営を行う青森の二つの美術館、十和田市現代美術館では「エルヴィン・ヴルム 人のかたち」、「国松希根太 連鎖する息吹」、弘前れんが倉庫美術館では「ニュー・ユートピアーーわたしたちがつくる新しい生態系」、「杉戸洋展：えりとへり / flyleaf and liner」と充実した展覧会を実現しました。
十和田で個展を開催中の国松希根太氏は、大阪・関西万博にも参加頂いた北海道の作家で、大変力のこもった展示です。弘前で開催中の杉戸洋展は、れんが倉庫の特徴ある空間を上手く使ったユニークな展示となりました。両展は2026年5月まで開催しておりますので、ぜひお越しください。
また、この年末で森美術館の特別顧問を退任します。2003年開館の、準備段階から関わり13年余館長も務めた同館が、今や日本を代表する現代美術館に成長したことはとても感慨深く、今後は外から応援していきたいと思っております。
中目黒のN&A Art SITEにおいては多様な展覧会を開催しました。魅力的な展開を示す若手作家紹介の「NANJO SELECTION」シリーズは「水戸部七絵 個展『There are plants in my garden』」を、長年にわたり制作を続け、独創的な作風や技法を築いてきた作家を紹介する新しいシリーズ「NANJO SELECTION classic」は、「ジェイ・ヨン『思考と行為の現象学』」「松浦延年『時間が形になるとき』」を開催、「巡り来る自己：S.F collectionの一瞥 vol.2」「DETACHMENT」も多くの方々にご来場いただきました。
最後になりますが、N&Aは現在ドバイに計画中の「日本文化センター」の創設に関わっています。以上のような現況をふまえ、来年度には多様な活動に対応できる体制を整えたいと考えています。より一層、現代美術の振興発展、日本文化の国際的な発信に努めていきたいと思いますので、今後も、皆様のご支援、ご協力を賜ることができましたら幸いです。どうぞよろしくお願い申し上げます。
よいお年をお迎えください。
南條史生